Happy birthday: what if I launch a giveaway?

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Esta toca faz dois anos! E acreditem, quase não dava conta e quase não queria acreditar. Ao longos dos dois últimos anos houve muita coisa a modificar-se para mim e este cantinho tem sido algo muito estável onde tenho feito crescer uma nova forma de estar na vida, que sobretudo me deu confiança e intensificou ou apurou a minha personalidade. É onde eu me vejo crescer, onde tudo fica escrito como um testemunho que eu posso comprovar. Mais ainda, revelou para os outros alguém que vivia um pouco escondida para o seu interior. Portanto a partilha não só me fez crescer como me deu a conhecer ao mundo. O meu público é ainda bebé ao lado dos grandes bloggers da actualidade mas curiosamente eu nunca me senti pequena. Tem sido muito gratificante perceber que este pequeno público que angariei surgiu do meu trabalho e empenho já que nunca antes pedi ou forcei ninguém para me seguir. E todos sabemos que “vender” estilos de vida, cativar dando trabalho ou apenas inspiração é difícil no meio consumista em que vivemos. Na verdade, “apurar” o nosso público é um exercício muito esclarecedor sobre nós mesmos, a nossa individualidade numa sociedade que valoriza a unicidade mas cultiva a homogeneidade. Eu tenho em mente aquelas pessoas que me seguem sempre: aquelas que me dão força e me encorajam e se deixam inspirar, que me vêm como elas. Tenho-as sempre na minha cabeça e, apesar de muitas nem sequer conhecer pessoalmente, a cada dia, eu faço isto por mim mas também, e cada vez mais, por elas também. Partilhar convosco um estilo de vida consciente, com significado, alimentado pelos ritmos e contacto com a natureza, alimentado pela criatividade humana tem sido a maior inspiração por trás de cada post.

É claro que nem tudo têm sido fases boas. Ter um blog e alimentá-lo das nossas entranhas, oferecer o que temos de melhor expõe-nos de formas nunca antes imaginadas. Desde que comecei que me soube proteger um pouco por conselhos de pessoas mais experientes. Mas já aprendi muitas coisas novas sobre gerir o que partilho, como partilho e o que deixo passar. Já aprendi coisas novas sobre os outros e sobre os limites que eu preciso de criar. O que aqui vos escrevo é muito, muito pouco daquilo de que a minha vida é preenchida: entre as melhores e as piores coisas. Eu gosto de pensar que vos trago o melhor de mim mas também aprendi a guardar algumas coisas boas, alguns projectos, para mim mesma porque, como introvertida, eu ainda preciso desse espaço. Já me senti mal por sentir que dava mais do que recebia, já senti que se apropriavam da minha criatividade, até que tentavam ser eu…!? E isso já me obrigou a parar e gerir os sentimentos para nunca deixar de escrever ou voltar a fechar-me em mim mesma. Porque apesar de tudo, a minha experiência aqui, convosco, tem sido sobretudo carregada de coisas boas.

Por isso, é para vocês que lanço um presente de aniversário, e pela primeira vez, no formato de giveaway! O meu giveaway vai acontecer através do meu perfil do Instagram que tem sido a rede social com a qual mais me tenho identificado na partilha de conteúdo do blog. O giveaway vai sortear um exemplar dos meus “Tide Pool Notebooks” para qualquer um de vocês que cumpra os seguintes requisitos: seguir-me no Instagram, gostar da publicação do giveaway (que será lançada durante o dia 24 de outubro com a hashtag #therabbitholeblogsecondbirthday), comentar essa mesma publicação com o nome de 3 novos amigos com quem gostassem de partilhar o perfil do blog. Podem participar o número de vezes que desejarem aumentando assim a vossa chance de ganhar. O giveaway está aberto até às 23h59m59s (UTC) do dia 31 de Outubro e é válido para todo o mundo! Boa sorte e obrigada por continuarem desse lado!

This rabbit hole is two years old! And believe me, I barely noticed and almost couldn’t believe. Over the last two years there has been a lot of changes for me and this little corner has been a very stable spot for me, where I have grown a new way of being in life, which mainly gave me the confidence and intensified my personality. It is where I see myself growing, where everything is written as a testimony that prove all that growth. More than that, the blog revealed to the others someone (me) who lived a little hidden inside herself. So this sharing exercise not only made me grow as it made me known to the world. My audience is still a baby alongside the great bloggers of today but, curiously, I never felt small. It has been very gratifying to realize that this small audience that I raised came from my own work and commitment since I have never asked or forced anyone to follow me. And we all know that captivating an audience with handmade testimonials and inspiration is very difficult in the consumerist environment in which we live today. In fact, clarifying our audience is a very enlightening exercise about ourselves, our individuality in a society that values ​​uniqueness but cultivates homogeneity. I have in mind those people who always follow me: those who give me strength and encourage me and inspire me, the ones who come to me and fell just like me. I have them all in my head and, although many I do not even know personally, I do this for them as well as for myself. Sharing with you a conscious, meaningful lifestyle, fueled by natural rhythms, contact with nature and human creativity has been the greatest inspiration behind every post.

Of course, not everything has been good. Having a blog and feeding it from our guts, offering what we have best, exposes us in ways never before imagined. Since I started that I knew how to protect myself a little by taking advices from more experienced people. But I’ve learned a lot of new things about managing what I share, how I share, and what I let go. I have learned new things about others and the limits that I needed to create even now. What I am writing to you here is very, very little of what my life is filled with: among the best and the worst things. I like to think that I bring you the best of me but I also learned to keep some good things, some projects, for myself because, as an introvert, I still need that space. I already felt bad for feeling that I gave more than I received, I felt that there were some that took the change using my creativity with bad intensions regarding myself, some really tried to be me on this competitive way affecting more things than I would ever allow… this has already forced me to stop and manage the feelings to never stop writing or close me again within myself. Because despite of everything, my experience here, with you, has been mainly loaded with all the good things.

So it’s for you that I throw a birthday present, and for the first time, in the giveaway format! My giveaway will happen through my Instagram profile that has been the social network with which I can identify myself the most while sharing the blog content. The giveaway will offer one copy of my “Tide Pool Notebooks” for any of you who meets the following requirements: follow me on Instagram, enjoy the giveaway publication on Instagram (which will be released during October 24th with the hashtag #therabbitholeblogsecondbirthday), comment on this same publication with the name of 3 new friends who you like to share the blog’s profile with. You can participate as many times as you wish increasing your chances of winning. The giveaway is open until 23:59:55 UTC on October 31 and is valid worldwide! Good luck and thank you for all your support!

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My new painting adventure

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Não sei se já visitaram o meu portfólio, este post ou este. Pintar tem sido algo que vem crescendo cá dentro mas minha relação com a pintura nem sempre é simples, por vezes vai e vem e é muito afectada pela forma como me sinto acerca de mim mesma.
Recomecei a pintar há cerca de dois anos, após quatro anos sem praticamente pegar num pincel. Tive quem me encorajasse a voltar a fazê-lo e tinha algum tempo extra em mãos que podia dedicar a explorar com mais confiança a artista que dormitava aqui dentro. Despertá-la novamente implicou um acto de alguma coragem para mim: não só porque eu me sentia enferrujada mas porque o acto de criar obriga-nos a abrir-nos um pouco mais. As obras não são só nossas e expõem a nossa forma de ver o mundo. Num mundo em que a invasão interior é grande, e que o respeito pela individualidade é cada vez menor, este exercício traz consigo consequências. E eu, bom, eu sou uma introvertida.
Uma das dificuldades que senti ao recomeçar foi sistematizar o que sabia. Ha alguns anos atrás tive aulas particulares com um pintor que me foi passando, de forma mais ou menos livre o seu saber mas para quem prevalecia sobretudo o valor da experiência. Eu explorava as técnicas, inventava formas de trabalhar e este método permitiu-me criar alguma intuição no meu trabalho. Mas por outro lado esta forma meio sensorial de pintar falhava em duas coisas: eu estava confinada aos limites que eu própria estabelecia, raramente explorando aquilo que simplesmente não passava por mim. E, por outro lado não me dava a confiança para dizer “eu pinto” e considero-me uma pintora. Eu sabia que havia algo cá dentro mas que tinha dificuldade em assumir. Fiz algumas boas descobertas sozinha e com o empurrão de algumas pessoas e oportunidades que me foram aparecendo, criei as minhas preferências para temas, técnicas mas sobretudo apercebi-me das minhas limitações.

Este ano, depois dos meus progressos no meu nature journal e já a caminho do fim desse desafio de fazer uma página do meu nature journal por semana, e ainda que já bastante assoberbada por alguns projectos pessoais, resolvi criar mais um pouco de entropia a este sistema frágil e inscrever-me num curso de pintura na faculdade de belas artes. Não sei onde estava com a cabeça mas eu queria muito fazê-lo. Este é sem duvida um assunto que, tal como o nature journal, gostava de explorar aqui. Não com uma regularidade fixa mas conforme for sentindo que tenho algo a partilhar convosco.

A minha primeira aula foi sobre o básico: círculo cromático, cores primárias, secundárias, terciárias, complementares, pretos… aparentemente nada de novo, como seria de esperar de um curso que começa desde o mais básico princípio. Em guache… eu nunca tinha apreciado guache nem tintas acrílicas. Secam rápido e têm um arome pouco orgânico… e eu sou lenta e gosto da água e do cheiro quente do óleo de linhaça. Até que, como “trabalho de casa”, me foi sugerido fazer um exercício de degradê entre cores primárias, passando, naturalmente, pelas cores secundárias. Foi um exercício muito marcante para mim… eu não podia acreditar que o guache pudesse ser tão vibrante e que a quantidade de cores interessantes que me apareciam lentamente por acrescentar mais uma pontinha de cor à mistura anterior era tão empolgante. Descobri as cores mais bonitas de sempre, percebi que gosto muito de escarlate, aquele quase a virar para o rosa, e que para fazer um azul petróleo perfeito, cintilante é preferível juntar uma pitada de amarelo ao azul em vez de comprar mais uma cor na loja de artes… porque o pigmento do amarelo se nota e muito no brilho, no tom e na temperatura da cor.

Na segunda aula eu descobri que ainda não me dou bem com o guache e a sua pressa mas, mas felizmente houve bastante tempo para o compreender: as espessuras possíveis, as sobreposições de cor, a sua intensidade. À medida que adicionava água, a tinta ia-se comportando como uma aguarela… eu começava a aproximar-me de algo conhecido. Mas foi precisamente nessa altura que eu notei uma grande diferença. Ao contrário da tinta espessa que é vibrante e intensa, quando guache fica diluído, como uma aguarela, as cores tornam-se mais mais “apagadas”. Como quando se mistura branco na aguarela… meio opacas. Na aguarela, eu posso adicionar água a um vermelho e ele mantém-se vermelho. O que eu notei foi que, se adicionar agua a um vermelho até ficar com a espessura de uma aguarela e cada vez mais diluído, o vermelho perde força e fica meio cor de rosa. E foi já no fim da aula, quando a professora explicou a constituição do guache, que comprendi que a grande diferença é que o guache é tradicionalmente constituído pela goma arábica e pigmento colorido, tal e qual como a aguarela, (entre outros constituintes secundários) mas é-lhe ainda acrescentado pigmento branco que lhe fornece o caracter opaco. Quantidade desse pigmento é moderada e não lhe retira a força da cor quando a tinta é espessa. Mas, pelo menos na minha humilde opinião, o pigmento branco é como um segredo que se descobre quando, aos poucos se dilui o guache mais e mais…

I don’t know if you have visited my portfolio, or even read this or this post. Painting has been something that has been growing inside me but my relationship with it was not always simple, sometimes it comes and goes and it is very affected by the way I feel about myself.
I started painting again about two years ago, after four years not handling a brush. I got some encouragement to do it again… and had some extra time in my hands that I could dedicate exploring more seriously the artist sleeping inside me. Awakening her again was an act of courage for me: not only because I felt rusty but because the act of create involves some difficult opening. The work you do is not only ours and it expose, sometimes too clearly, our way of seeing the world. In a world where the inner invasion is huge, and the respect for individuality is diminishing, this exercise carries with it some consequences. And I, well, I’m an introvert.
One of the challenges I had when starting over was to systematize what I knew. A few years ago I had some private lessons with a painter who passed me, more or less freely, his knowledge. For him it was the experience that prevailed. I explored the techniques, invented ways to work with them and this method allowed me to create some intuition in my work. But on the other hand this “sensory” way of painting failed in two things: on one hand I was confined to the limits that I established for myself, I simply didn’t explore what didn’t came to me. And on the other hand I ended without the confidence to say “I paint” and I consider myself a painter. I knew there was something inside but I had difficulty taking it as seriously as it could be. Don’t get me wrong: I made some good discoveries on my own and with the push of some people that encouraged me and even because of the opportunities that appeared to me. I created my preferences for themes, techniques but above all I realized my limitations.

This year, after my progress in my nature journal, and on the way to the end of this challenge of making a page of my nature journal per week and despite already quite overwhelmed by some personal projects, I decided to create a little more entropy to this frail system and enroll a painting a course at the university fine arts college. I do not know where I was headed, but I really wanted to do it. This is undoubtedly a subject that, like my nature journal, I would like to explore here. Not with a this tight regularity but as I feel I have something to share with you.

My first lessons were on the basics: chromatic circle, primary, secondary, tertiary, complementary, black… seemingly nothing new, as you would expect from a course that starts from the most basic principles. In gouache… I had never enjoyed gouache or acrylic paints. They dry fast and have a little organic arome… and I’m slow and like the water and the warm smell of linseed oil. Until I get home and did my homework. I was suggested to do a gradient exercise between primary colors, passing, of course, by the secondary colors. It was a very striking exercise for me … I could not believe that the gouache could be so vibrant and that the amount of interesting colors that slowly appeared to me by adding another tip of color to the previous mixture was so exciting. I discovered the most beautiful colors ever, I noticed that I really like scarlet, that red almost turning to pink, and that to make a perfect, sparkling teal it is preferable to add a dash of yellow to blue instead of buying one more color in the art store… because the yellow pigment shows and much in brightness, tone and color temperature.

In the second class I discovered that I still do not get along with the gouache and its hurry temper, but fortunately there was plenty of time to understand it: the possible thicknesses, the color overlays, the intensity. As I added water, the paint would behave like watercolor… Perfect! I was beginning to approach something I know! But it was precisely at this point that I noticed a great difference from watercolor. Unlike the thick paint that is vibrant and intense, when gouache gets diluted, like a watercolor, the colors become more “erased”. Like when mixed white in watercolor … it gets “opaque”. What I mean is that, in watercolor, I can add water to a red and it stays red no matter how many water I add. What I noticed was that, with guache, if you add water to a red until you get the thickness of a watercolor and keep adding more water, the red loses it strength and becomes a little more “pinkish”. I was truly intriged… It was only at the end of the lesson, when the teacher explained the constitution of the gouache, that I understood something that might justify it. So, the great difference is that gouache is traditionally constituted by gum arabic and colored pigment, just like watercolor (among other secondary constituents) plus a bit of white pigment that gives it the opaque character. Ta-da! Well, the amount of this pigment is moderate and does not take away the strength of the color when the paint is thick. But, at least in my humble opinion, the white pigment is like a secret that is discovered when you slowly dilute the gouache more and more…

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DIY chalkboard: “Be our guest!”

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Eu gosto de receber bem. Acredito que faz muita diferença quando os nossos anfitriões nos fazem sentir em casa, confortáveis. Sair do nosso espaço pessoal, ainda que seja por razões de lazer, cria sempre uma pequena agitação por isso, sermos recebido num espaço confortável e acolhedor faz muita diferença na nossa atitude para com a experiência em questão quer seja ela de lazer, profissional ou outra. Nós temos um pequeno quartinho com diversas funções e que é também onde recebemos os nossos amigos sempre que vêm para ficar connosco. É um quarto decorado de forma muito simples mas ao qual eu queria dar uma pontada de conforto. Então, e em vez de acrescentar mais uma das minhas pinturas ao espaço (que também é muitas vezes usado para pintar, resolvi inspirar-me na onda DIY e dar uma volta a uma moldura básica do IKEA e transformar-a num quadro de giz onde posso personalizar uma mensagem para aqueles que nos vierem visitar.

Comprei esta moldura a um preço muito convidativo e, como queria que fosse o ponto de interesse na parede, optei pelo maior tamanho disponível: 50cm x70 cm. Usei o vidro para usar como paleta, base de secretária, entre outros usos e dei uso aquela placa de contraplacado que geralmente fica nas costas das molduras. Em primeiro lugar lixei-a um pouco com lixa de pintor para que ficasse o mais macia possível para receber tinta. Depois pintei-a com três demãos de tinta “chalkboard” ou tinta de ardósia disponível em lojas como o AKI ou semelhantes. Por fim, quando a placa ficou bem seca, passei uma camada de giz, um processo chamado de “seasoning” que serve para fazer com que o giz entre nos poros da tábua e, ao apagar, fique com o aspecto dos quadros de giz antigos.
E por fim dei asas à imaginação para escrever no meu novo quadro de giz! Mais, ele combina bem com as minhas almofadinhas de cheiro “Tide Pool” que eu usei para aromatizar as gavetas do quarto de hóspedes.

O interessante neste quadro é podermos adaptar o que escrevemos às pessoas que vamos receber para que se sintam especialmente bem recebidas. Mas nos momentos em que não tenho hóspedes, a frase que costuma lá estar escrita é “Be our guest!”, a famosa música cantada pelo Lumière, o candelabro do filme “ A Bela e o Monstro” da Disney, aquele que é o meu absoluto favorito de tooooodos os filmes de animação da Disney!

Nota: Por falar nisso, devo confessar que o filme “live-action” foi uma desilusão para mim a vários níveis. Por exemplo, apesar de gostar muito muito do trabalho da Emma Watson, acho que não que não foi a escolha perfeita para o filme… que pena!

I like to be a good host. I believe it makes a lot of difference when our hosts make us feel at home, comfortable. Getting out of our personal space, even for leisure reasons, always creates a small agitation so, being welcomed in a comfortable and welcoming space makes a lot of difference in our attitude to the experience in question whether it is leisure, professional or other. We have a small room with several functions and that is also where we receive our friends whenever they come to stay with us. It is a room decorated very simply but to which I wanted to give a touch of comfort. So, instead of adding one more of my paintings to the space (which is also often used for painting, by the way) I decided to inspire myself in the DIY wave and transform a basic IKEA frame into a chalkboard where I can customize a message for those who come to visit.

I bought this frame at a very inviting price and, as I wanted it to be the point of interest on the wall, I opted for the largest available size: 50cm x70cm. I took off the glass and used it as a palette, desk base, among other things. And then I used that plywood board that usually stays behind the back of the frames to transforme it on a chalkboard. In the first place, I rubbed it with painter’s sandpaper for a bit so that it gets as soft as possible to receive the paint. Then I painted it with three coats of chalkboard paint available in several craft stores. Finally, after letting the board dry completely, I applied a layer of chalk, a process called “seasoning” that aims to infuse the board with this chalk powder so that after erasing it, it looks like an old chalkboard.
And finally I gave wings to my imagination to write in my new chalkboard! Also, it matches perfectly my Tide Pool scented cushions that I used to give a little scent to the drawers from my guest room.

What is interesting about these chalkboards for guest rooms is that we can adapt what we write to the people we are going to host so that they feel especially welcome. But when I do not have guests, the phrase that is usually written is “Be our guest!”, The famous song sung by Lumière, the chandelier from Disney’s “Beauty and the Beast”, the one that is my absolute favorite of all the Disney animated films!

Note: By the way, I must confess that the live-action film was a disappointment to me on several levels. For example, although I really reeeeeally like Emma Watson’s work, I do not think it was the perfect choice for Belle… at all.
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Book Review: Cloth Lullaby

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Há poucos dias recebi uma encomenda com o livro “Cloth Lullaby” escrito por Amy Novesky e ilustrado pela fabulosa Isabelle Arsenault. A minha obsessão por livros infantis não é novidade aqui no blog e posso dizer que, apesar de folheá-los nas livrarias e gerir o impulso de adquirir estas obras seja a minha forma preferida de os ir conhecendo e fazer a minha colecção, comecei a ter os eus escritores e ilustrador favoritos e a dirigir cada vez mais a minha pequena colecção para as minhas preferências pessoais. Entre os temas que mais me interessam estão, naturalmente as histórias relacionadas o contacto com a natureza, as emoções, a arte e o fazer à mão.

 

“Cloth Lulaby, the woven life of Louise Bourgeois” não é mais do que uma história ilustrada, e ricamente transformada, da biografia da artista parisiense Louise Bourgeois. Não poso deixar de confessar que encontrei este livro por causa das suas ilustrações mas acabei por fazer uma descoberta extraordinária. A obra mais conhecida de Loiuse é a incontornável Maman, uma aranha de tamanho colossal exposta no Museu Guggenheim Bilbao e acerca da qual eu não sabia muito mais do que o facto de ter como inspiração a mãe de Louise. Ora, este pequeno livro dirigido aos mais pequenos conta que a família de Loiuse era na verdade especialista em produção e restauro de tapeçaria, um trabalho levado a cabo pela família materna de Louise e que esta acompanhara mais de perto através da sua mae e pelo seu próprio trabalho na fábrica. Diz-se que como era ainda muito pequena quando começou, era particularmente boa a restaurar os pés das personagens desenhadas nas grandes tapeçarias que chegavam à fábrica. A sua mae era, como dizia Louise, “Deliberada… Paciente, assertiva… Subtil, indispensável… e tão útil como uma aranha.” Tal como uma aranha remenda a sua teia, Louise via na sua mãe uma forte inspiração para o acto de fazer à mão e de forma artística e positiva.
Louise começa por estudar matemática entusiasmada pela sua estabilidade semelhante ao nascer do sol, as estrelas no céu e a geometria. Mas desanima ao compreender que na verdade nada disso, nem mesmo a matemática, é absolutamente previsível. Após a morte da mãe desiste de estudar matemática e dedica-se às artes aplicando todas as competências que adquirira em criança com a mãe e com o seu trabalho na fábrica de família na área da tapeçaria, utilização de tecidos, costura e escultura.
Hoje é considerada uma das maiores artistas europeias contemporâneas fortemente influenciada pelas vertentes surrealista, primitivista e modernista. Os seus trabalhos são carregados de simbolismo e por essa razão altamente abstratos e elaborados. Contudo, envolvem processos e técnicas que podemos reconhecer no nosso dia a dia e pelas quais eu e muitos artesãos e amantes do “saber fazer” se apaixonam e tentam colocar ao serviço do seu quotidiano. Conhecer um pouco melhor a história e o trabalho da Louise, sobretudo através de textos e ilustrações com as mesmas características primárias, aproxima-me mais ainda de todos os “lavores” que tenho vindo a aprender ao longo da minha vida.

 

A few days ago I finally received an order with the book “Cloth Lullaby” written by Amy Novesky and illustrated by the fabulous Isabelle Arsenault. My obsession with children’s books is not new for those who follow me here and I can say that although I love to wander over bookstores discovering new books, I began to have and follow my favorite writers and illustrators and to slowly direct my small collection to my personal preferences with means that, sometimes, I simply order them on-line. The stories that I am most interested are, naturally, the stories related to the contact with nature, the emotions, the art and the handmade.
 

 

“Cloth Lulaby, the woven life of Louise Bourgeois” is an illustrated and richly transformed story of the biography of the Parisian artist Louise Bourgeois. I can not help confessing that I found this book because of the illustrations but I ended up doing an extraordinary discovery. The best-known work of Louise is the unique Maman, a colossal-sized spider exhibited at the Guggenheim Museum in Bilbao. I knew very little about it. I just knew that the inspiration for the art piece was Louise’s mother. Well, this small children book tells us that the family of Loiuse was in fact a specialist in the production and restoration of tapestry, a work that she had followed more closely through her mother and her own work in the fabric. It is said that since she was still very small when she started working with her mom, she became particularly good at weaving the feet of the characters drawn in the huge tapestries that arrived at the fabric. She became fascinated by her mother skills. Louise said that her mother was “Deliberate … Patient, shooting… Subtle, indispensable … and as useful as an araignée.” Just as a spider mends her web, Louise saw in her mother as a strong inspiration for the act of doing by hand and developed a strong, positive and artistic point of view about her work.
Louise studied mathematics for a while excited by its stability similar to the sunrise, the stars in the sky and geometry. But she suddenly she realize that none of this, even mathematics, is absolutely predictable. After her mother’s death she gave up studying mathematics and devoted herself to the arts applying all the skills she had acquired as a child with her mother and her work in the family factory. She worked with weaving, fabrics, sewing and sculpture.
Today she is considered one of the greatest contemporary European artists, strongly influenced by the surrealist, primitivist and modernist dimensions. Her works are heavily charged with symbolism and for that reason, are highly abstract and elaborate. However, her art pieces always they involve processes and techniques that we can all recognize in our daily lives and for which I and many artisans and lovers of the “handmade” fall in love and try to apply to our daily lives. Knowing Louise’s story and work a little better, especially through texts and illustrations with the same primary characteristics, brings me closer to all the “lessons” on handmade that I have been learning throughout my life.
 
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